EXPRESIONISMO ABSTRACTO
El Expresionismo abstracto
es un movimiento pictórico
contemporáneo dentro
de la abstracción, en concreto, las tendencias informalistas y matéricas posteriores a la Segunda Guerra
Mundial. Surgió en
los años 40 durante el siglo XX en Estados Unidos
y se difundió, décadas después, por todo el mundo. Se considera el primer
movimiento genuinamente estadounidense
dentro del arte abstracto, y ejemplo del liderazgo que, en materia de artes plásticas,
asumió Estados Unidos después de la Segunda Guerra Mundial. Por ello fue
directamente financiado por la CIA en el contexto de la Guerra fría.
Al Expresionismo abstracto también se lo conoce como Escuela de Nueva York. No se trata propiamente de una escuela con
un estilo común, sino de una serie de artistas de convicciones semejantes y que
compartían una serie de técnicas pictóricas.
ANTECEDENTES
Varios son los factores que contribuyeron al surgimiento de este
movimiento como algo totalmente nuevo hacia principios de siglo xx. En primer
lugar, los elementos formales provinieron de la abstracción
post-cubista
y del surrealismo. Y aunque los expresionistas
abstractos rechazaron tanto el cubismo
como el surrealismo, lo cierto es que resultaron muy influidos, sobre todo por
el segundo de estos movimientos, en sus primeras fases. En segundo lugar, es un
movimiento estadounidense que surge en unas circunstancias problemáticas desde
el punto de vista social: primero, el crack de 1929
y la subsiguiente gran depresión,
y después, la segunda guerra
mundial. Estas
circunstancias explican, en parte, el contenido emocional de los expresionistas
abstractos. Ha de mencionarse organismos artísticos que fomentaron las artes
durante la época crítica de los años treinta:
el FAP (Federal Arts Project) y la WPA (Works Progress
Administration).
En estas asociaciones artísticas se manifestaba el afán renovador del propio
país norteamericano, y en ellas trabajaron algunos pintores que después
destacarían como expresionistas abstractos. La pintura de la American scene
típica de la llamada «Ash Can School» se vincula a este expresionismo a través
de la obra de Arshile Gorky.
CARACTERÍSTICAS
Pueden señalarse como características formales de este estilo, en primer
lugar, su preferencia por los grandes formatos. Trabajaban normalmente con óleo
sobre lienzo.
Generalmente son abstractos en el sentido de que eliminan la figuración. No
obstante, hay excepciones y algunos emplean trazos figurativos, apareciendo
figuras reconocibles, como ocurre con las Mujeres de Willem de Kooning.
Las telas presentan un aspecto geométrico
que las hace diferentes de movimientos precedentes, como el surrealismo.
Una de las características principales de los expresionistas abstractos
es la concepción de la superficie de la pintura como all over (cobertura
de la superficie), para significar un campo abierto sin límites en la
superficie del cuadro: el espacio pictórico se trata con frontalidad y no hay
jerarquía entre las distintas partes de la tela. El cromatismo suele ser muy
limitado: blanco y negro,
así como los colores primarios: magenta,
amarillo y cian.
Los pintores expresionistas que redujeron la obra a prácticamente un solo
color, estaban ya anticipando el arte minimal.
Este tipo de cuadros, con violentos trazos de color en grandes formatos,
presenta como rasgos distintivos la angustia
y el conflicto, lo que actualmente se considera que refleja la sociedad en la
que surgieron estas obras.
REPRESENTANTES
Se considera a líder de este movimiento o iniciador del mismo a Arshile Gorky
(1904-1948), armenio
exiliado a Nueva York desde 1925. Recibe la influencia del surrealismo
y sirve de puente entre la pintura europea de entreguerras y la escuela norteamericana.
Hacia el año 1936 abandona la figuración y, bajo la
influencia de Roberto Matta, descubre un nuevo lenguaje formal,
optando por las figuras abstractas biomorfas. Aunque tendió a la abstracción y
la espontaneidad, no prescindió completamente del dibujo ni renunció a controlar la pincelada.
Muy cerca del surrealismo estuvo
siempre la obra de William Baziotes
(1912-1963), quien profundizó en la tendencia,
de raíz jungiana, a investigar los mitos antiguos y el
arte primitivo. Desde 1941 usó el «automatismo» pictórico,
creando imágenes biomórficas con su sentido mítico. Cabe finalmente mencionar
la obra de Hans Hofmann (1880-1966), importante como docente. Su pintura
tenía una base cubista, pero se fue haciendo abstracta en los años cuarenta,
presentando en sus cuadros zonas de color que contrastaban entre sí; el estilo
es emocional y vigoroso. Con el fin de la segunda guerra
mundial y el regreso
a Europa
de muchos de los exiliados, acabó atenuándose la influencia surrealista y el
movimiento se hizo más genuinamente nortemericano.
Se fue escindiendo en dos tendencias
que pueden definirse como action painting y campos de color. La primera
de ellas enfatizaba más el gesto físico de pintar, mientras que en la segunda
se centró en la aplicación del color en grandes áreas.
Action painting
Dentro del
expresionismo abstracto destaca la action painting, tendencia
diferenciada que incluso a veces se usa para nombrar a todas estas obras
expresionistas. Aunque, como se ha señalado, el término action painting fue
utilizado por el crítico Harold Rosenberg en 1952, se había utilizado con anterioridad. Así, en el Berlín de 1919, y en América hacia 1929, para designar las primeras composiciones abstractas de Kandinsky.
El centro de
interés de la action painting es el gesto o movimiento de pintar,
llamándosela también «pintura gestual» por la primacía que dio al procedimiento
pictórico en sí. Se hace del acto de pintar un gesto espontáneo. Es un tipo de
automatismo que plasma el estado físico y psíquico del pintor. De esta manera,
Elimina los límites tradicionales entre el pintor y la pintura, ligando la
acción de pintar con la biografía del artista.
Pollock
El action
painter por antonomasia es Jackson Pollock (1912-1956), a quien
se considera el primer pintor que asimiló la formación pictórica de Gorky. Se le
relaciona con el surrealismo en la
medida en que su obra pictórica se basa en el «automatismo», en una escritura
automática que pretende reflejar los fenómenos psíquicos que tienen lugar en el
interior del artista. Entre 1935 y 1943 trabajó para la WPA (Washington Project for the
Arts) y pintó bajo la influencia de Picasso, el surrealismo y el psicoanálisis jungiano que usó como terapia contra su alcoholismo. Pero en el
caso de Pollock, hubo otras fuentes de inspiración añadidas. Así, la cultura de
los indios de Norteamérica, con sus
formas simbólicas y sus
pinturas de arena. Igualmente, la obra del muralista Siqueiros, en cuyo taller experimental tuvo ocasión de trabajar
en 1936, usando
pintura con bomba de aire y con aerógrafo, así como
pigmentos sintéticos industriales. Esto le llevó también a probar otros materiales,
como el barniz, el aluminio o los esmaltes sintéticos.
Pollock
extendía la tela, normalmente sin tratar, sobre el suelo, y corría o danzaba a
su alrededor y dentro de ella, derramando la pintura de manera uniforme.
Pollock no trabajaba sobre el lienzo sino, muchas veces, metido en
él. En efecto, no trabajaba la tela con utensilios tradicionales como el pincel o la espátula, sino
mediante la técnica del dripping. Aunque a veces se le señala como
inventor de la misma, lo cierto es que se considera que ya fue empleada por el
surrealista Max Ernst. Lo que sí
puede afirmarse es que la popularizó de tal manera que el dripping se
asocia inmediatamente a la obra y persona de Jackson Pollock, hasta el punto de
que se le puso el mote de «Jack the Dripper», en juego de palabras con «Jack
the Ripper» (Jack el Destripador).
El dripping
consiste en dejar gotear o chorrear la pintura, desde un recipiente (tubo, lata
o caja) con el fondo agujereado, que el pintor sostenía en la mano o bien, en
menor medida, desde un palo o una espátula. De esta manera pintar no era algo
que se hacía con la mano, sino con un gesto de todo el cuerpo.
La color-field painting o
«pintura de campos de color» es otra corriente dentro de la Escuela de Nueva
York, anticipatoria de la pintura minimalista.
Irving Sandler, crítico e historiador del arte propuso llamar pintura color-field a esta última
alternativa del expresionismo abstracto, centrada en el color y sus posibilidades expresivas.
Surgió igualmente en torno al año 1947. Crearon cuadros en los que dominaban amplias áreas de color, todas ellas de igual intensidad. No hay en sus obras contrastes de luz o de colores. El dibujo y el gesto se hicieron simples. En muchas obras se trabajaba con un solo color con diferentes tonalidades. Son cuadros cercanos al neoplasticismo pero, a diferencia de él, las áreas de color son abiertas, y parecen seguir más allá de los bordes del cuadro.
INFORMALISMO EN
ESTADOS UNIDOS Y EUROPA
Esta corriente deriva del arte abstracto que se origina
en Estados Unidos y en Europa teniendo
gran difusión al finalizar la Segunda Guerra Mundial.
CARACTERÍSTICAS
Características plásticas de esta pintura son: la
espontaneidad del gesto, el automatismo, el empleo expresivo de la materia,
inexistencia de ideas preconcebidas, la experiencia de lo hecho hace nacer la
idea, la obra es el lugar y el momento privilegiado en que el artista se
descubre; es el final de la reproducción del objeto para la representación del
tema que se convierte en la finalidad de la pintura, con un aspecto a veces
caligráfico, pudiendo hablarse de una «Abstracción caligráfica» en relación con
la obra de Georges Mathieu, Hans Hartung o Pierre Soulages.
Los artistas de este
movimiento de revelan frente a las corrientes constructivistas y formalistas.
En sus obras se proponen reflejar y liberar el misterioso mundo del
inconsciente, autor de la creación. El artista se deja llevar por sus impulsos
y elabora sus composiciones sin importar el orden de los elementos.
Algunos reflejan su
emoción nerviosa mientras que otros un mundo silencioso y quieto.
El término
"informalismo" tiene sus orígenes en el año 1952 como consecuencia de
una exposición organizada por Michel Tapié. Sin embargo se le ha atribuído
diversas denominaciones: "tachismo" o "manchismo",
expresionismo abstracto, "action-paiting" (pintura-acción), pintura gestual,
"art-autre" (arte distinto) y pintura matérica.
Tiende a la forma
irregular e imprecisa y se opone a la imagen tradicional, de estructura
geométrica y precisa.
La materia ocupa un
papel fundamental y se aplica utilizando técnicas poco comunes: se lanza la
pintura al azar y se deja chorrear. Se emplea desde el óleo hasta el cemento,
también arpilleras, maderas y chapas.
Este movimiento lleva a
cabo sus primeras exposiciones en la Argentina en el año 1959 en la Galería Van
Riel. Olga Lopez, Kenneth Kemble, Alberto Greco, Mario Pucciarelli, Fernando
Mazza y Enrique Barilari son sus participantes.
Más tarde en el Museo
Sívori figuran Luis A. Wells, Jorge Roiger y Towas.
ANTECEDENTES
El informalismo es un movimiento artístico que surgió en Europa a
mediados de la década del 40, como respuesta a las tendencias rígidas del
cubismo y el abstraccionismo geométrico. El lenguaje
informalista era un lenguaje abstracto en
el que primaba los materiales como elementos fundamentales de la obra.
El informalismo debe entenderse como una expresión ampliada
del arte abstracto
y su tendencia ha dado frutos en otros estilos artísticos como el tachonismo y el arte espacialista.
Al artista informalista le interesa es explorar la expresividad de la
materia
Mesalina, 1959, Antonio Saura
REPRESENTANTES
Antoni Tàpies i Puig, marqués
de Tàpies (Barcelona, 13 de diciembre de 1923 - ibídem, 6 de febrero de 2012), fue un pintor, escultor y teórico
del arte español. Uno de los principales exponentes a nivel mundial del informalismo, está considerado como uno de los más destacados artistas españoles del
siglo XX. La obra del artista catalán goza de un centro de estudio y conservación en la Fundación
Antoni Tàpies de Barcelona.
Josep Guinovart i Bertran. (Barcelona 1927–2007) fue un pintor,
dibujante y grabador de Cataluña, España.
el año 1957 inició una
decantación hacia el arte abstracto , su obra poco convencional, utiliza
elementos tridimensionales casi constantemente en sus obras, la mayoría también
de gran formato.
Antonio Saura
Atarés (Huesca, España, 22 de septiembre de 1930 - Cuenca, España, 22 de julio de 1998) pintor y escritor,
es considerado como uno de los grandes artistas del siglo XX.
La mayor parte de la obra de Antonio
Saura es figurativa y se caracteriza por el conflicto con la forma. Sus cuadros
son expresivos y dan la impresión de ser obsesivos en su franqueza pictórica.
Es un conflicto con un mundo lleno de contradicciones y falto de seguridad, en
el que impera el pesimismo.
Rafael Canogar (Toledo 1935). Es un pintor español, uno de los
principales representantes del arte
abstracto en España.
El informalismo fue eminentemente la expresión de la libertad, de lo
irrepetible y único, realizado con una caligrafía directa y espontánea. Obras eminentemente intuitivas y
pasionales, realizadas con la urgencia que el tiempo, la edad y las teorías
reclamaban. El informalismo fue para Canogar algo sustancial y místico,
autoafirmación y autorrealización.
NUEVA FIGURACIÓN
La Nueva Figuración Madrileña es
un movimiento artístico desarrollado en Madrid
a principios de la década de
1970.
ANTECEDENTES
Durante la primera mitad de siglo el arte oscila entre dos
corrientes artísticas: la figuración y la abstracción.
De a poco, este fenómeno abre camino a una nueva corriente llamada
la Nueva Figuración que tiene una amplia difusión en Europa y América Latina.
REPRESENTANTES
Concentrados en torno al
espacio expositivo de la Galería Amadís en
1971 y 1972, son partidarios de una nueva forma de hacer arte que bebía de la
tradición española al margen de las tendencias que en ese momento triunfaban en
Europa, como la transvanguardia italiana y el neofauvismo francés.
Representantes de la Nueva Figuración Madrileña son Alfonso Albacete (Antequera, 1950). Es un pintor y grabador español. Forma parte del grupo de
pintores que la crítica y los historiadores del arte han incluido, la pintura de Albacete se
centra sobre todo en un cromatismo vital y abierto influido por la abstracción
americana y el pop art A.
lfonso Albacete se ha convertido en uno de los más destacados representantes de
la pintura española, y su trabajo se sitúa en el gozne donde se integra la
figuración y la abstracción.
Juan Antonio Aguirre (Madrid, 1945) Su pintura de temas
cotidianos se sitúa en el ámbito de la nueva figuración madrileña. En 1980
presentó una de sus exposiciones más significativas (Madrid D.F.). En
1999, fue objeto de una muestra retrospectiva en el Instituto Valenciano de
Arte Moderno y realizó una exposición que recogía su obra de los años noventa
en el Centro Cultural Conde Duque de Madrid.
Guillermo Pérez
Villalta(Tarifa, 1945), es
un pintor y escultor español, integrante de la nueva figuración madrileña y uno de los
pintores más representativos del posmodernismo en España. Algunas fuentes le incluyen en una corriente que llamanneomanierismo.
Posteriormente otros artistas como Antonio Seguí, Miguel A. Dávila y Juan
Carlos Distèfano se sumaron a este movimiento.
CARACTERÍSTICAS
La Nueva Figuración Madrileña
apostó por una pintura desacomplejada frente al debate abstracción-figuración, una pintura
mordaz, que para alejarse de la gravedad y oscurantismo del informalismo
anterior practicó un provocador uso del color. Frente al compromiso político y
social de la generación anterior estos artistas se interesaron por relatar en
la obra elementos iconográficos autobiográficos ajenos a la realidad social del
cambio político.
El artista refleja en sus obras la realidad que lo rodea tal como
es y por más cruda que sea.
Otorga vida a las figuras estáticas y las ubica en contextos
desgarrantes y dramáticos. Esto se debe a las experiencias vividas durante las
guerras en Europa.
La libertad es una característica propia de estos artistas quienes
dan a la figura humana un sentido de vitalidad al sacarlas de sus propios
límites.
ARTE
POP
El arte pop es un movimiento artístico que nace en 1954 cuando Lawrence
Alloway utiliza por primera vez el término pop art. Con esta abreviatura
Alloway se refería al arte
popular que estaba creando la
publicidad de masas, y que tenía como objeto principal los intereses colectivos
del pueblo, aunque éste no fuera su destinatario. Se trataba de un arte ciudadano,
originario de las grandes ciudades y totalmente alienado de la naturaleza, un
arte que usaba imágenes conocidas con un sentido diferente para obtener una
nueva estética o para conseguir una visión crítica de la sociedad de consumo.
ANTECEDENTES
El arte pop es comúnmente interpretado como una reacción a
los entonces dominantes ideales del Expresionismo abstracto. De cualquier forma, el arte pop también es la continuación de
ciertos aspectos del expresionismo abstracto, tal como la creencia en las
posibilidades de hacer arte, sobre todo en obras de grandes proporciones. Del mismo modo, el arte pop era tanto una extensión como un
repudio del Dadaísmo.
CARACTERÍSTICAS
El Arte Pop (Pop Art) fue un importante movimiento artístico del siglo
XX que se caracteriza por el empleo de imágenes de la cultura
popular tomadas de los medios de comunicación, tales como anuncios
publicitarios, comic
books, objetos culturales «mundanos» y del
mundo del cine. El arte pop, como la música
pop, buscaba utilizar imágenes populares en oposición a la elitista cultura existente en las Bellas
Artes, separándolas de su contexto y
aislándolas o combinándolas con otras, además de resaltar el aspecto banal okitsch de algún elemento cultural, a menudo a través del uso de la ironía.
Los artistas pop pintaban en un lenguaje figurativo temas de
la sociedad de consumo, como botellas de refrescos, paquetes de cigarrillos o
envoltorios de chicle. Su temática directa y clara lo convirtió en un arte
accesible al público en general. El arte pop se nutrió también de imágenes de
tebeo, revistas, periódicos, del cine y de la televisión, de anuncios fluorescentes
de grandes comercios.
REPRESENTANTES
Uno de los mejores representantes del movimiento del arte pop
es Andy Warhol, que trabajaba a partir de variaciones fotográficas de un mismo
tema mítico. “Maryilin Monroe”, “Elvis Presley”, o “200 latas de sopa
Campbell’s” son algunas de sus obras maestras. Warhol quería eliminar de la obra de
arte cualquier signo de manualidad, por eso muchas de sus obras
están hechas a partir de fotografías proyectadas sobre el lienzo.
Otro de los grandes del arte pop es Roy Lichtenstein, el
pintor neoyorquino que se inspiraba en los dibujos animados, la publicidad y la
televisión para ilustrar sus conocidos cómics.
Arte Cinético
El arte cinético fue una corriente muy en
boga desde la mitad de los 60 hasta mediados de los 70.Es una
tendencia de las pinturas y las esculturas contemporáneas creadas para producir
una impresión de movimiento. El nombre tiene su origen en la rama de la
mecánica que investiga la relación que existe entre los cuerpos y las fuerzas
que sobre ellos actúan. Este término apareció por primera vez en 1920 cuando
Gabo en su Manifiesto Realista rechazó “el error heredado ya del arte egipcio,
que veía en los ritmos estáticos el único medio de creación plástica” y quiso
reemplazarlos por los ritmos cinéticos: “formas esenciales de nuestra
percepción del tiempo real”. Utilizó esta expresión coincidiendo con su primera
obra cinética, que era una varilla de acero movida por un motor y da valor al
término utilizado hasta ese momento en la física mecánica y en la ciencia, pero
comienza a utilizarse de forma habitual a partir del año 1955. Hoy en día se
conoce como arte cinético, aquellas obras que causan al espectador movimiento e
inestabilidad, gracias a ilusiones ópticas, que cambian de aspecto según el
punto desde el que son contempladas o por la luz que reciban (un ejemplo pueden
ser los anuncios luminosos). También están incluidos dentro de este movimiento
los móviles sin motor y las construcciones tridimensionales con movimiento
mecánico.
Antecedentes
Movimiento estético con bases en la abstracción,
que comienza a desarrollarse después de la I Guerra Mundial, pero que adquiere
más fuerza a partir de los años cincuenta, cuándo se investiga con mayor
precisión el factor cinético de la visión en la creación plástica, para lo cuál
se eligieron tres caminos distintos:
1.- Formando en la impresión óptica del espectador la
ilusión de un movimiento virtual que realmente no existe
2.- Induciendo al espectador a desplazarse en el espacio
para que así se organice en su mente la lectura de una secuencia.
3.- Realizando movimientos reales de imágenes mediante motores u otras fuentes.
Entre las características del arte
cinético se destacan: el rechazo a cualquier referente narrativo, literario o
anecdótico; la desvinculación de la obra de arte con respecto a su creador, la
abolición del soporte tradicional del cuadro, la incorporación de materiales
inéditos para la creación artística, (plásticos, circuitos eléctricos, fléxit,
etc.) y la intención de insertarse en la vida pública de la ciudad, formando
parte del urbanismo.
Características
El arte cinético se basa en la búsqueda de
movimiento, pero en la mayoría de las obras el movimiento es real, no virtual.
Para realizar la obra el artista se
plantea y sigue una estructura rigurosamente planificada.
La mayoría de las obras cinéticas son tridimensionales,
se despegan del plano bidimensional.
Los recursos para crear movimiento son
casi infinitos, tales como el viento, el agua, motores, luz, electromagnetismo.
Busca la integración entre obra y
espectador.
Tipos de arte
cinético
Los estables: Son aquellas obras cuyos elementos son fijos, dispuestos de tal
manera que el espectador deba rodearlos para percibir el movimiento.
Los móviles: Son obras que producen un movimiento real debido a diferentes
causas, cambiando su estructura constantemente.
Los penetrables: Generalmente la obra es un ensamblaje en un espacio real que
requiere que el espectador entre en ella para poder percibirla a medida que la
recorre.
Representantes
Los
representantes de este movimiento fueron Naum Gabo (Rusia), Alexander Calder
(EEUU), Víctor Vasarely (Hungría).
Naum Gabo
Gabo
creció en una familia judía de seis hermanos en el pueblo ruso de Briansk dónde su padre trabajaba en la industria del metal. Gabo
era un escritor y portavoz fluente en idioma alemán, francés, e inglés además
de su ruso nativo. El hablar con fluidez varios idiomas contribuyó grandemente
a realizar frecuentes viajes durante su carrera.
Alexander Calder
Alexander
Calder (22 de
julio de 1899, Lawnton, Pensilvania - 11
de noviembre de 1977, Nueva York) fue un escultor estadounidense. Hijo y nieto de escultores. Su
madre era, además, pintora. Estudió ingeniería
mecánica y en 1923 asistió a la Liga de Estudiantes de Arte de Los
Ángeles, donde recibió la influencia de los artistas de la escuela.
En 1925 contribuyó con unas
ilustraciones en la National
Police Gazette. En 1926 se trasladó a París y comenzó a crear figurillas de
animales de madera y alambre, germen del posterior desarrollo de sus famosas
miniaturas circenses. En los años
1930, se hizo célebre en París y en los Estados
Unidos por sus esculturas de
alambre, al igual que por sus retratos, sus bosquejos de línea continua y sus
abstractas construcciones motorizadas.
Víctor Vasarely
(Pécs, Hungría, 9 de abril de 1906 - Francia, 15 de marzo de 1997)
fue un artista al que se ha considerado a menudo como
el padre del Op Art.
Comenzó a estudiar medicina en Hungría,
pero dejó la carrera al cabo de dos años. Se interesó entonces por el arte abstracto y por la escuela de Muheely (principios
de la Bauhaus), fundada en Budapest (Hungría) por un alumno de la Bauhaus.
Le atrajeron Mondrian y Malévich y se interesó por la astronomía.
Se trasladó a París al principio de los años 1930 y allí trabajó como grafista. En esta ciudad desarrolla su
primer trabajo mayor, Zebra,
que se considera hoy en día la primera obra de Op art. Durante las dos décadas
siguientes, Vasarely desarrolló un modelo propio de arte abstracto geométrico, con efectos ópticos de
movimiento, ambigüedad de formas y perspectivas, e imágenes inestables. Utilizó
diversos materiales pero usando un número mínimo de formas
y de colores. Tenía consideración por la pintura mesurada, reposada, racional y
serena (redes, tramas).
HIPERREALISMO
El HIPERREALISMO es una tendencia radical de la pintura realista surgida en Estados Unidos a finales de los años
60 del siglo XX que propone reproducir
la realidad con más fidelidad y objetividad que la fotografía. A veces se
confunde con el fotorrealismo que es menos radical.
ANTECEDENTES
El hiperrealismo tiene un origen en la tradición pictórica
estadounidense, favorable a la literalidad del trampantojo, como muestran los
cuadros de finales del siglo
XIX de William
Harnett o John Haberle.
CARACTERITICAS
Los artistas hiperrealistas tratan de buscar, con el más
radical de los verismos, una transcripción de la realidad usando los medios
técnicos y fotográficos de la manipulación de las imágenes. Consiguen con la
pintura al óleo o la escultura, el mismo detallismo y encuadre que ofrece la
fotografía.
Otras características del fotorrealismo son la exactitud en
los detalles, contrastada con la irrealidad del efecto espacial y la capacidad
de convertir en temas pictóricos los detalles visuales de la realidad. Estos
pintores ejercen un alto grado de conceptualismo al plasmar la diferencia entre
el objeto real y su imagen pintada: lo real, trasladado al lienzo mediante la
cámara fotográfica, fotografiado mediante recursos pictóricos. Al utilizar la
fotografía en el proceso de la realidad al cuadro, lo real queda roto y
manipulado dos veces, en el cuadro y en la fotografía, de ahí el aspecto de
irrealidad que diferencia el fotorrealismo del realismo tradicional.
REPRESENTANTES
Chuck
Close utiliza la fotografía como medio para hacer sus retratos, que
se apartan totalmente del retrato tradicional y se acercan más hacia el
cartelístico y sugestivo principio cinematográfico del primer plano en
superpantalla, hacia la no-distancia de la técnica de la instantáneas y hacia
el gesto objetivador de las fotografías clínicas y policiales . En su obra
trata problemas como la percepción del espectador y la focalidad. Close no
parte de la realidad sino que la aborda indirectamente a través de la
fotografía que proyecta sobre el lienzo.
Richard Estés, conocido por sus cuadros de
escaparates y escenas urbanas, utiliza varias diapositivas del mismo objeto, de
modo que en sus cuadros se ve no sólo el escaparate sino también lo que hay
dentro de la tienda y lo que se refleja en el cristal. Sus lugares públicos
están desiertos, en un modo de abstraer la funcionalidad de lo representado que
es típica del fotorrealismo.
El francés Jean
Olivier Hucleux pinta cementerios de
personas y cementerios de coches, en un realismo que es una repetición de la
realidad. Ed
Ruscha, a caballo entre el arte
pop y el fotorrealismo, pinta gasolineras, cuadros de palabras y
hace libros de fotografías.
NUEVA ABSTRACCIÓN
ANTECEDENTES
Surge en los Estados Unidos a finales de los años
50 como una concepción más formalista que las corrientes que se integran en la
Abstracción Postpictórica.
Sus antecedentes se encuentran en las actitudes
más radicales de las primeras Vanguardias, particularmente en la Abstracción
Geométrica, aunque sin vínculos con el espiritualismo que caracteriza a la
producción de maestros como Vasili Kandinsky o Kasimir Malévich.
CARACTERÍSTICAS
La característica esencial del arte de los
sesenta es su frialdad; ante todo se pone de manifiesto el carácter impersonal
y mecánico. Al igual que sucede en la mayor parte de las obras pop, la huella
del artista es imperceptible, hasta el punto de que a estas realizaciones se
las ha llegado a llamar “abstractas de ángulo duro» (Hard-Edge).
Los artistas americanos de este período
subrayaban la superficialidad de las cosas y la literalidad se convirtió en el
aspecto fundamental del arte. No se perseguía que el arte fuese expresivo, sino
simplemente que fuese “interesante”. Los artistas, tanto pintores como
escultores, se concentraron en la forma o en la estructura de la obra de arte,
y la consideraron como único vehículo de la significación.
La Nueva Abstracción rechaza todo lo que pudiera
resultar anecdótico en beneficio de la máxima pureza del lenguaje. La obra se
define como un sistema cerrado, casi siempre en gran formato, en el que
predominan los colores puros, incluso primarios, en soluciones bicrómicas ó
tricrómicas sin gradación tonal.
REPRESENTANTES
la influencia del precursor Barnett Newman,
cuya obra anterior a los años sesenta se hallaba, como se recordará, vinculada
a la modalidad del color field painting, dentro del Expresionismo Abstracto.
Sin embargo, posteriormente, Newman evolucionará hacia un lenguaje desprovisto
de conexiones con esta corriente. Y en su pintura ya no se percibiría la huella
del artista y las superficies de de color serían extremadamente definidas y
claras.
El color en estado puro es el protagonista de
las pinturas de Ellsworth Kelly (1923). Los contrastes de colores son, en
ocasiones, bastante agresivos, como ocurre en Red Blue, pintura en la que dos
colores del título se encuentran distribuidos por la superficie de manera
irregular. Una gran mancha roja lisa y uniforme, de configuración redondeada,
aparece dispuesta sobre un fondo azul homogéneo. Otras veces, Nelly trabaja en
formatos no habituales, como ocurre también con Frank Stella (1936). El impacto
cromático de las pinturas de la época más reduccionista de Stella es realmente
sorprendente, pues con tan sólo dos colores -rojo y amarillo logra efectos
similares a los del Op-Art, corriente que en aquellos momentos tenía una gran
importancia en Europa, sobre todo en París.
MINIMALISMO
El minimalismo es una corriente
artística que utiliza elementos mínimos y básicos, como colores puros, formas
geométricas simples, tejidos naturales,etc.
Surge
en EE.UU. a mediados de los años sesenta y tiene su máximo desarrollo durante
los setenta.
ANTECEDENTES
El
término «minimal» fue utilizado por primera vez por el filósofo británico Richard
Wollheim en 1965, para referirse
a las pinturas de Ad Reinhardt y a otros objetos de muy alto
contenido intelectual pero de bajo contenido formal o de manufactura, como los
«ready-made» de Marcel Duchamp.
CARACTERÍSTICAS
§
Abstracción
§
Economía
de lenguaje y medios
§
Producción
y estandarización industrial
§
Uso
literal de los materiales
§
Austeridad
con ausencia de ornamentos
§
Purismo
estructural y funcional
§
Orden
§
Geometría
elemental rectilínea
§
Precisión
en los acabados
§
Reducción
y síntesis
§
Sencillez
§
Concentración
§
Protagonismo
de las fachadas
§
Desmaterialización
REPRESENTANTES
Pintores:
Jules Olitski (1922), Fue uno de los creadores
más prolíficos de su entorno, acumulando más de 150 exposiciones individuales a
lo largo de su vida, incluida una de las escasas muestras que el Metropolitan
Museum de Nueva York le ha dedicado en el siglo XX a un artista vivo.
Ellsworth Kelly (1923), Newburgh, 1923) Pintor
y escultor estadounidense. Se formó en Boston y en París. Su obra se
caracteriza por el rechazo de todo ilusionismo y por el empleo de colores puros
y de formas rigurosamente geométricas, estética propia del estilohard-edge.
Robert Ryman (1930), es un pintor estadounidense identificado con los
movimientos de la pintura
monocroma, el minimalismo, y el arte conceptual. La
mayoría de sus obras presentan una pincelada influida por el expresionismo abstracto en pintura blanca sobre lienzos cuadrados o superficies
metálicas
ARTE CONCEPTUAL
El arte conceptual, también conocido como idea art, es un movimiento artístico en el que las ideas dentro de una obra son un elemento más importante que el objeto o el sentido por el que la obra se creó. La idea de la obra
prevalece sobre sus aspectos formales, y en muchos casos la idea es la obra en
sí misma, quedando la resolución final de la obra como mero soporte.
ANTECEDENTES
El arte
conceptual como movimiento emergió a la mitad de los años sesenta, en parte como una reacción en contra del formalismo que había sido articulado por el influyente crítico Clement Greenberg. Sin embargo,
desde las décadas de 1910 y 1920 el trabajo del artista francés Marcel
Duchamp (principal artista) serviría como precursor, con sus trabajos
llamados ready-mades. Daría a los
artistas conceptuales las primeras ideas de obras basadas en conceptos y
realizadas con objetos de uso común.
CARACTERÍSTICAS
La
característica principal de esta corriente es el predominio de los elementos
conceptuales sobre los puramente formales. Así pues, el arte conceptual es una
forma de expresión que intenta evitar el estímulo óptico a favor de los
procesos intelectuales que el público es invitado a compartir con el artista.
Para ello, esta disciplina artística se fija en los ambientes cromáticos, en
los luminosos, y en las variaciones sobre la naturaleza.
El arte
conceptual emplea habitualmente materiales como la fotografía, mapas y vídeos. En ocasiones se reduce a un conjunto de instrucciones
documentando cómo crear una obra, pero sin llegar a crearla realmente; la idea
tras el arte es más importante que el artefacto en sí.
REPRESENTANTES
§
1917: Marcel Duchamp exhibe su Fuente,
un mero mingitorio de porcelana común en el Salón de Artistas Independientes,
como una manera de cuestionar la naturaleza del arte, dejando claro que
cualquier cosa, con una buena idea como soporte, podía ser arte. Haciendo que
lo que realmente importe es lo que nos quiere dar a entender, lo que nos quiere
llevar a reflexionar y dejar de lado lo que representa. Diferencia entre lo que
representa y lo que esta representado.
§
1953: Robert Rauschenberg exhibe Dibujo de De
Kooning Borrado, un dibujo de Willem De Kooning que Rauschenberg borró.
Esta pieza levantó muchas preguntas acerca de la naturaleza fundamental del
arte, provocando al espectador a considerar si borrar un dibujo de otro artista
podía ser un acto creativo, así como si el trabajo sólo era "arte"
porque el famoso Rauschenberg lo había hecho.
§
1956: Isidore Isou introduce
el concepto de arte infinitesimal en Introduction à une esthétique
imaginaire (Introducción a una estética imaginaria).
§
1957: Yves Klein, Escultura Aerostática (París). Esta estaba compuesta
de 1,001 globos azules que fueron liberados hacia el cielo desde la Galería
Iris Clert para promover su Proposición Monocromo; Época Azul.
Klein también exhibió Pintura de Fuego de un Minuto, que era un panel azul en
el cual 16 petardos fueron colocados. Para su importante exhibición El
Vacío en 1958, Klein declaró que sus pinturas eran ahora invisibles y
para probarlo exhibió una sala vacía.
